L’Egg Chair est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre d’Arne Jacobsen, un fauteuil ovoïde dont la coque renferme les lignes directrices de cet architecte danois, entre le néo-romantisme de De Stijl, les instances d’avant-garde du Bauhaus et la rigueur formelle nordique.

Arne Jacobsen

Malgré ses nombreux travaux en architecture, avec la conception de maisons, de banques, d’écoles et de théâtres, Jacobsen est surtout connu comme designer, du fauteuil Egg Chair, mais pas seulement : sa renommée internationale est venue avec une série de meubles intemporels, dont beaucoup sont encore présents dans les collections design.

Sa production de chaises est célèbre, en collaboration avec la société danoise Fritz Hansen, en particulier pour le type de chaise consistant en une coque façonnée avec des pieds en métal tubulaire fin. Le fauteuil Ant à trois pieds avec une coque en contreplaqué incurvée, le fauteuil enveloppant Egg, le siège Swan à trois pieds et la polyvalente Série 7, tous produits par Fritz Hansen, doivent leur attrait intemporel à la combinaison de la recherche formelle et de l’expérimentation technique. Une combinaison parfaite qui a transformé le matériau en un véritable support créatif.

L’origine du fauteuil Egg

Le fauteuil d’Arne Jacobsen initialement conçu pour le hall de l’Hôtel Royal de Copenhague, porte dès le départ le nom Eggd. Ce qui annonce déjà très clairement ses intentions, découlant directement de sa ressemblance avec une coquille d’œuf polie.

Le designer danois fusionne toutes les parties fonctionnellement distinctes, c’est-à-dire l’assise, le dossier et les accoudoirs, en une seule forme : le résultat est un cocon protecteur, incurvé et invitant, comme l’intérieur d’une coquille d’œuf. La grande différence ? Le fauteuil oeuf de Jacobsen offre à son invité une remarquable variété de positions.

Encore produit aujourd’hui, le fauteuil Oeuf est le résultat de processus complexes, le plus souvent manuels. Elle est réalisée en recouvrant la coque d’un matériau synthétique, créé par une technique de moulage, avec un rembourrage en mousse de polyuréthane et une couverture en tissu ou en cuir bien ajustée, puis fixée sur une base en aluminium à quatre branches.

L’œuf fait partie de ces objets reconnaissables au premier coup d’œil. Egg est une reprise du fauteuil traditionnel avec appui-tête qui continue à traverser le temps, entre passé et futur, sans jamais vieillir.

Sa forme caractéristique de dôme a été prise d’après un modèle, comme une sculpture, recréant avec des lignes courbes une sorte de refuge dont on peut retracer le nom. Confortable et accueillant, il est conçu pour offrir des moments de détente privés, dans des espaces publics ou privés.

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Les créations de l’architecte d’intérieur Sasha Bikoff nous inspirent sur la façon de travailler avec ce ton ultra tendance. Sasha Bikoff, dit que sa philosophie de la décoration intérieure consiste à créer des pièces qui sont “une bouffée d’air frais”. S’il y a un fil conducteur qui unit beaucoup ses intérieurs, c’est la couleur rose.

Quel sentiment l’utilisation du rose évoque-t-elle dans la décoration intérieure?

Le rose est féminin, donc les femmes l’adorent et les hommes se sentent chaleureux et rassurés.

Le rose évoque le bonheur, est sensuel et apaisant. Les roses qui contiennent plus de violet ont tendance à être plus électriques et amusant. Tandis que les roses qui contiennent plus de jaune ont tendance à être plus chics et élégants.

Le rose désaturé convient parfaitement comme base neutre pour les murs ou les rideaux, pour être contrasté avec des tons opposés dans les tissus d’ameublement et les meubles pour une pièce énergique et stimulante, ou pour être associé à d’autres teintes ton sur ton pour créer un environnement relaxant.

Quelle est la meilleure manière d’utiliser le rose dans mon intérieur?

L’utilisation d’une teinte rose clair est plus sophistiquée. C’est le rose que vous pourriez trouver à Versailles ou à l’Hermitage. Un rose clair est idéal dans un grand espace comme un salon ou une chambre. Le rose clair a des nuances de nude et de terre, donc il est vraiment subtil. Il vous permet de vous associer aussi bien à des meubles et des aménagements en bois qu’à des meubles et des matériaux plus modernes dans des tons plus froids.

Quelle est la combinaison parfaite avec le rose?

Le rose et le vert sont des couleurs complémentaires et créent donc un effet d’optique naturel sans s’entrechoquer.
Selon la designer, une autre façon d’intégrer le rose est d’utiliser des fleurs pour lier les combinaisons de couleurs et le contexte, qu’il s’agisse de tissus d’ameublement, de papier peint ou d’antiquités.

Quelles sont les matières qui se marient le mieux avec le rose?

Une base rose juxtaposée à du marbre blanc et des détails en laiton ou en bronze est la clé pour créer des espaces sophistiqués et chics.
En revanche, pour introduire des détails riches mais pas trop, les tons cuivrés permettent d’utiliser des métaux dans les structures des meubles sans refroidir l’atmosphère comme le ferait l’acier, par exemple.

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Pour sa nouvelle collection, Paola Navone s’inspire d’un mode de vie à l’italienne, à la fois confortable et détendu.

La beauté imparfaite du nouveau canapé Argo de Natuzzi Italia, avec ses formes douces et généreuses, est le symbole d’une façon particulière d’interpréter la vie et l’espace de vie. Le projet, conçu par Paola Navone, s’inscrit dans le cadre d’un mélange de design intitulé “The Circle of Harmony”. Ce dernier a impliqué huit designers tous très différents dans leur approche et leurs choix stylistiques et dans la création d’une collection capable de traduire en un projet de design l’identité de la marque et ses liens profonds avec sa terre d’origine. Ces autres designers ne sont autres que : Claudio Bellini, Mauro Lipparini, Maurizio Manzoni, Marcantonio, Fabio Novembre et Nika Zupanc.

Les Pouilles à l’honneur

Les Pouilles sont donc l’essence même de la collection. Cette région est évoquée à travers son esprit, son élégance informelle, mais aussi le confort indéniable qu’elle offre. Dans ce contexte, Paola Navone a choisi les couleurs, les traditions de la zone méditerranéenne et le style de vie décontracté comme point de départ d’Argo, un projet qui regarde l’espace avec des yeux nouveaux, avec les yeux de quelqu’un qui aime la nature et l’environnement changeant qui l’entoure.

Le résultat ? Un canapé doux, ample et délibérément froissé. L’aspect doux est amplifié par le rembourrage 3D et ses deux agrafes pop géantes qui, en s’enfonçant dans le dossier rendent encore plus évidente la sensation de détente et d’accueil de ce lieu de rencontre.

Argo est disponible dans les versions deux ou trois places, en fauteuil pivotant ou en chaise longue Sleeeping Argo. Il trouve sa place naturellement, la plupart du temps au centre de la pièce, devenant le protagoniste de l’espace convivial.

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Des liens de plus en plus étroits avec le monde de l’artisanat et un intérêt pour la responsabilité sociale des projets, la nouvelle génération de designers est en route pour révolutionner le design de demain. Voici 5 noms de designers français émergents.

Outre le fait que quatre d’entre eux sont diplômés de l’ENSCI-Les Ateliers à Paris, ils ont en commun au moins deux tendances contemporaines : la première est un lien de plus en plus étroit avec le monde de l’artisanat: pièces en série limitée et production non industrielle. La seconde, un intérêt croissant pour la responsabilité sociale des projets, qui doivent résoudre des problèmes majeurs notamment par la recherche de nouveaux modèles d’utilisation.

Julie Richoz

La Franco-suisse Julie Richoz est la plus établie du groupe : depuis 2013, elle a fondé un studio à Paris, collabore avec de prestigieuses galeries anglaises et françaises, signe des projets avec des sociétés telles que Tectona (mobilier d’extérieur), Alessi (un organisateur de bureau Fierzo) et Louis Poulsen (le plafonnier Cité, composé de six panneaux courbes).

Elle aime les lignes courbes, le verre coloré, comme dans ses vases Oreilles : “une des plus belles choses du verre est la façon dont la lumière passe à travers la matière”. Mais depuis peu, elle explore le monde du textile avec le tapis Binaire en raphia à motifs irréguliers conçu pour la Manufacture Cogolin. Didier Krzentowski a déclaré à son sujet : “Son travail est poétique et délicat, mais fonctionnel. Elle sait comment combiner différentes visions et utiliser de multiples références, tout en créant quelque chose de nouveau”.

Laureline Galliot

Laureline Galliot se décrit comme une “designer et peintre” : elle peint avec ses doigts sur un iPad (comme le fait David Hockney depuis quelque temps) et porte un masque de réalité virtuelle combiné à un logiciel d’animation de dessins animés. Egalement formée à l’ENSCI- Les Ateliers à Paris, elle se dit inspirée par les fauves et les expressionnistes allemands.

Une déclaration qui rappelle les post-impressionnistes : cela et bien plus encore se passe avec les designers français. Parmi ses œuvres, la collection de céramiques multicolores Contour et masse et le tapis intégral Tufty de Nodus. Quatre de ses pièces font partie de la collection nationale française de design au Centre National des Arts Plastiques à Paris. Vous pouvez trouver une vidéo à son sujet sur Youtube. Elle peint en improvisant, mais comme dans une chorégraphie car elle est aussi danseuse.

Mathieu Peyroulet Ghilini

Avec une série de quatre chevalets intitulée Sophistication, Mathieu Peyroulet Ghilini a remporté le Grand Prix du design à la Villa Noailles en 2013, mais est également exposé au Centre Pompidou à Paris et à l’Institut français de Cologne. Peyroulet Ghilini privilégie le dessin et la recherche de la forme. Des formes géométriques élémentaires et une esthétique inclassable.

Son projet Elephant Mirror, un miroir orné d’un tube lumineux créé pour la prestigieuse Galerie Kreo, et le plus célèbre Mur de Sèvres, décrit comme “une sorte de mur suspendu impalpable construit avec de la corde et de la porcelaine entrelacées, inspiré du système de décorations murales croisées que la mécène Marie-Laure de Noailles utilisait pour exposer des œuvres d’art dans son hôtel particulier parisien”.

Natacha & Sacha

Natacha & Sacha sont un couple de designers ayant un studio à Paris depuis 2017. Il s’agit de Natacha Poutoux et de son partenaire Sacha Hourcade : ils aiment interpréter les produits électroniques domestiques d’une manière nouvelle, en évitant le plastique et en se distançant de l’imagination strictement technique.

Ils ont donc créé un humidificateur d’air partiellement en verre qui ressemble à un vase, et un disque dur portable en céramique dont la forme facilite la ventilation naturelle, ce qui permet de se passer de ventilateur. Tous deux ont étudié à l’ENSCI-Les Ateliers à Paris. Après avoir travaillé sur des projets de matériel informatique avec Computer Variations, ils sont maintenant à la recherche d’idées écologiques pour le chauffage. Parmi les solutions, on trouve le tissu thermique Parterre, tissé avec des filaments qui peuvent transmettre la chaleur : il peut être utilisé pour transmettre la bonne chaleur directement au corps au lieu de chauffer toute la pièce. “La consommation d’électricité estimée est jusqu’à 16 fois inférieure à celle du chauffage traditionnel”.

Wendy Andreu

Née en 1990 en Provence, la designer Wendy Andreu se dit “fascinée par le poids, la texture et l’odeur des choses”. Elle a étudié l’artisanat, se spécialisant dans le travail des métaux à l’Ecole Boulle de Paris, puis à la Design Academy d’Eindhoven. C’est là qu’elle a commencé à concevoir Regen (“pluie” en néerlandais), une série d’objets réalisés avec un tissu imperméable innovant composé de fibres de coton et de latex, travaillé sur des moules en acier découpés au laser et personnalisés. Ce tissu lui a valu le Dorothy Waxman Textile Design Award lors du Mois du Textile à New York en 2017. Elle l’a ensuite utilisé pour une série de sacs, chapeaux et imperméables faits main (souvent épuisés sur son site web), et plus récemment pour de grands sièges composés de coussins, dont la fabrication prend plus de 300 heures. Elle compte parmi ses clients le créateur de mode Rick Owens et le studio de design londonien Toogood. Elle est représentée par la prestigieuse galerie milanaise Nilufar. Ses autres projets comprennent des tabourets à huit pieds en acier patiné, ainsi qu’une série de bibliothèques en aluminium créées en collaboration avec Bram Vanderbeke.

Adrien Garcia

“J’ai besoin de ses espaces vides et décadents pour imaginer de nouvelles créations”, explique le designer Adrien Garcia, qui partage son temps entre Paris et un grand hôtel particulier du XVIIe siècle près de Nantes. Pierre Yovanovitch dit de lui qu’il est un rêveur : “Adrien aime imaginer de nouvelles solutions, des objets multifonctionnels et il veut innover. En même temps, il recherche des lignes rigoureuses et des formes simples”.

Né en 1990, Garcia a été formé à l’ENSCI-Les Ateliers à Paris et à l’Université de Berlin, puis a travaillé pendant quelques années dans une entreprise française spécialisée dans les projets de bien-être et de spa. Parmi ses œuvres les plus connues figure un banc en chêne inspiré d’un modèle du XVe siècle trouvé dans la chapelle du palais. Il a réalisé la plupart de ses autres créations de meubles à partir de chênes tombés sur sa propriété. Son style a été décrit comme “plutôt austère, presque sculptural”, attentif à l’équilibre des proportions et aux matériaux nobles tels que le bois et l’acier. Son but : produire des objets durables, en collaboration avec des artisans français.

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Souvent considérée comme le bras droit de Le Corbusier, Charlotte Perriand est une architecte et une designer extraordinairement talentueuse, qui a tracé le chemin du mouvement moderniste avec une innovation intemporelle. Pionnière du design, elle a remodelé la place de l’art dans la vie quotidienne.

On dit souvent que derrière chaque grand homme, il y a une grande femme.

Si les choses ont changé – et continuent de changer – depuis l’époque de Charlotte Perriand dans le Paris du XXe siècle, les femmes n’ont pas toujours eu le crédit qui leur était dû. C’est peut-être la raison pour laquelle, aujourd’hui encore, Perriand est reconnue pour son lien avec le génie de Le Corbusier plutôt que pour l’extraordinaire travail qu’elle a réalisé à ses côtés.

Charlotte Perriand a tranquillement révolutionné le monde du design contemporain. Grâce à une carrière professionnelle étendue et prolifique consacrée à l’architecture, au design et à l’innovation, Perriand a navigué dans ce monde dominé par les hommes avec une curiosité et une passion sans bornes.

C’est Le Corbusier lui-même qui a découvert la jeune architecte et designer en 1927, lui donnant ainsi l’occasion d’appliquer son répertoire visuel et sa vision créative. Dans l’atelier le plus célèbre du monde, au 35 de la rue de Sèvres, avec un classeur de dessins sous le bras et un diplôme d’architecture, la toute première interview de Charlotte Perriand a été avec le maestro moderne. “Ici, on ne brode pas de coussins…”, lui dit-il avec sarcasme après avoir jeté un rapide coup d’œil sur ses dessins. Un début pas si prometteur, explique-t-elle dans son autobiographie “Charlotte Perriand : Une vie de création”, mais qui dissimulait un sentiment mutuel d’admiration et d’estime.

Malgré le scepticisme initial, Charlotte Perriand, à seulement 24 ans, commence sa carrière dans l’atelier de Le Corbusier, devenant rapidement un élément cardinal de la firme entre Pierre Jeanneret et le maestro lui-même. Femme dans un monde d’hommes, Perriand a été à l’origine de nombreuses créations parmi les plus célèbres de l’atelier et de l’aménagement intérieur de nombreuses commandes publiques – pour lesquelles elle ne sera guère reconnue.

Malgré tout, l’architecte a su rester concentrée et créative, puisant dans son imagination extrêmement progressive pour alimenter son penchant à créer de nouveaux objets et de nouvelles attitudes. Particulièrement empathique, elle savait que le design pouvait jouer un rôle crucial dans l’élaboration de solutions visant à rendre la société plus égalitaire. Et comme Le Corbusier, elle pensait que les objets qui nous entourent aident à définir notre état mental.

Soumise à des hauts et à des bas, sa relation avec Le Corbusier a été parfois tumultueuse, contrairement à l’amitié sincère qu’elle a nouée avec Pierre Jeanneret. Quoi qu’il en soit, la relation du trio devient la rampe de lancement qui permet à la jeune designer de travailler sur des projets importants, comme les intérieurs de l’Unité d’Habitation de Marseille (1945 – 1952), qui verra également la participation de Jean Prouvé (le même designer et architecte français qui fixera la médaille officielle de l’Ordre national du mérite sur la poitrine de Perriand en 1979).

Plaçant l’homme au centre de leur processus de conception, Perriand travaille avec les cousins Jeanneret en 1928 pour créer la LC4, la chaise longue moderne par excellence qui sera plus tard célèbre avec Cassina en 1965. Utilisant la forme et la fonction pour créer l’équilibre parfait entre la pureté géométrique et corporelle, la chaise trouve sa stabilité à n’importe quelle inclinaison grâce à la friction des tubes de caoutchouc recouvrant la barre transversale de la base.

Peu de temps après avoir rejoint l’U.A.M. (Union des Artistes Modernes) en 1929 et en avoir été la pionnière aux côtés de collègues comme Eileen Gray et Robert Mallet-Stevens, elle monte à bord du Patris II en 1933 entre Athènes et Marseille pour le IVe Congrès du CIAM (Congrès Internationaux d’Architecture Moderne). Perriand y travaille aux côtés des plus grands noms du design du XXe siècle, dont Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Jean Prouvé, Fernand Léger, Lucio Costa, Ernö Goldfinger et Kenzo Tange.

Ingénieuse et souvent révolutionnaire, Charlotte Perriand était une voyageuse et une photographe insatiable, s’inspirant de ses voyages en Europe, en Union soviétique et au Japon (où elle a été détenue et contrainte à l’exil vietnamien à son retour). Accompagnées de notes personnelles, les photos d’un pont métallique, les motifs d’un filet de pêcheur, ou même d’un simple rocher ont suffi pour devenir l’étincelle de nouvelles créations et d’objets de design.

Les exemples sont innombrables, du tabouret Méribel (1953-61), qui tire son nom du chalet savoyard français de Méribel-les-Ulles, aux meubles en bois courbé de la chaise longue Tokyo de 1940 ou de la chaise Ombre de 1954 – deux manifestations de son séjour au Japon, depuis réaménagées par Cassina. D’autres, comme le banc Cansado, (1959-63), conçu pour un projet dans la ville minière du même nom en Mauritanie, marquent les destinations où Perriand est intervenu pour la conservation des intérieurs sur place.

Fascinée par la culture industrielle, Perriand a été séduite par la capacité du design à influencer de nouvelles façons de vivre. Comprendre le patrimoine qu’elle a créé, c’est comprendre que le design est au service d’un objectif beaucoup plus vaste. Selon ses propres termes : “Dans chaque décision importante, il y a une option qui représente la vie, et c’est ce que vous devez choisir… La vie est quelque chose en mouvement”.

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Des projets de villes aux chaises devenues des icônes : la véritable histoire du cousin du maître de l’architecture moderne.

L’histoire de l’architecte et designer suisse Pierre Jeanneret, cousin du célèbre Le Corbusier, est fascinante : avec lui, il a conçu des bâtiments qui sont aujourd’hui considérés comme des chefs-d’œuvre de la modernité et, avec l’arrivée de Charlotte Perriand, il conçoit également des meubles qui sont devenus des icônes, voire des pièces de collection.

On peut dire que son histoire était unique. Lorsqu’un membre d’une famille devient célèbre, il est rare que d’autres membres de la même unité familiale émergent dans la même sphère avec la même reconnaissance unanime. Si le parent en question s’appelle Charles-Edouard Jeanneret-Gris, plus connu sous le nom de Le Corbusier, l’adjectif “célèbre” est réducteur. Cela dit, la passion pour l’architecture qui animait Pierre Jeanneret était certainement authentique et durable, tout comme la relation et l’estime mutuelle, au-delà de toute forme de compétition, qui le liait à son cousin. En témoigne le fait qu’ils ont presque toujours travaillé ensemble, signant des projets qui sont entrés dans l’histoire.

Mais que sait-on de Pierre Jeanneret ?

Né à Genève en 1896, il étudie à l’Ecole des Beaux-Arts de sa ville natale et, après avoir terminé ses études, commence à travailler dans l’atelier parisien des frères Perret. Il y rencontre Auguste Perret, véritable visionnaire et l’un des premiers architectes à utiliser le béton armé dans ses projets, des constructions audacieuses qui ont fortement influencé l’œuvre de Pierre Jeanneret et son approche du béton armé.

1922 marque le début officiel de sa collaboration avec Le Corbusier dans l’atelier du 35 rue de Sèvres à Paris. À partir de cette année-là, les deux noms seront toujours associés, surtout en ce qui concerne les projets qui ont fait date. Parmi eux : la Ville Savoye, construite entre 1929 et 1931 à Poissy, près de Paris, considérée comme l’une des plus grandes expressions du Mouvement moderne ainsi que le manifeste des cinq points de l’architecture moderne énoncés par Le Corbusier. Les éléments qui la caractérisent sont : la façade et le plan, tous deux totalement libres de contraintes, les piliers, qui élèvent le volume au-dessus du niveau du sol (ce que le béton armé a finalement permis de faire), le jardin du toit et les fenêtres en ruban.

Un autre projet bien préservé, qui porte la signature de Pierre Jeanneret et de Le Corbusier, est un double logement à Paris construit entre les années 1920 et 1930 dans la rue du Docteur Blanche, aujourd’hui siège de la Fondation Le Corbusier. À l’époque, les deux clients étaient son cousin Albert Jeanneret et le collectionneur d’art Raoul La Roche, c’est pourquoi la maison s’appelle encore Maison La Roche-Jeanneret. La difficulté de l’ensemble du projet résidait dans la forme du terrain disponible, qui était étroit et limité par de trop nombreuses contraintes. Pour surmonter cela, ils ont conçu deux maisons séparées, mais contiguës et reliées par des références architecturales continues. A partir de la porte d’entrée, un chemin en pente se dévoile, pénétrant profondément dans le terrain et permettant d’accéder aux deux maisons, caractérisées par des volumes propres et des lignes rigoureuses.

La projets et l’importance de l’Inde

Si nous voulons énumérer les projets conçus par les deux architectes, nous devrions certainement mentionner d’autres ouvrages, tels que le Pavillon Suisse de la Cité internationale universitaire de Paris en 1932-33, mais peut-être, pour réduire la liste, l’ouvrage qui a le plus marqué le partenariat entre les deux cousins, après une interruption due au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, est celui construit en Inde en 1951 à la suite de l’indépendance de la Grande-Bretagne : une ville entière dans la nouvelle capitale de Chandigarh, dans l’État du Pendjab. Le Corbusier et Jeanneret, en collaboration avec les architectes britanniques Maxwell Fry et Jane Drew, ont été chargés par le gouvernement indien de réaliser cet ambitieux projet en partant de zéro et en passant de l’échelle de l’architecture à celle du design.

Pierre Jeanneret s’est rendu en Inde pour superviser les travaux. De 1951 à 1965, depuis la maison qu’il a conçue au numéro 57 du secteur 5 à Chandigarh, il a géré tous les aspects de la construction du plan directeur, supervisant l’exécution du projet en tant que directeur. C’est dans ces années que la sensibilité et le goût de Pierre Jeanneret se manifestent également en tant que designer. En Inde, en effet, l’architecte s’est engagé non seulement à concevoir le mobilier et les intérieurs de nombreux bâtiments parmi les plus emblématiques de Chandigarh, mais aussi à trouver la meilleure façon de les produire, afin de soutenir l’industrie et l’artisanat locaux. Intégrant la tradition et les matériaux typiquement indiens dans la réalisation de ses dessins, Jeanneret a su combiner des formes minimales essentielles avec des matériaux simples comme le bois, la canne et l’acier, trouvant un point de rencontre entre les idéaux modernes plus européens et l’esprit rural du travail des artisans indiens dans l’utilisation raffinée du teck et du bois de rose locaux. Les designs simples de Pierre Jeanneret et l’utilisation de matériaux locaux modestes ont conduit à la production en masse de beaux meubles abordables. A tel point que la célèbre galerie Kukje à Séoul consacrera une exposition en 2016 au mobilier conçu pour le projet Chandigarh.

Le mobilier

Et à propos de mobilier, on ne peut pas ne pas mentionner l’Equipement intérieur de l’habitation que Pierre Jeanneret, avec Le Corbusier et Charlotte Perriand, a conçu pour le Salon d’Automne en 1928. Ainsi que ceux connus sous le nom de Casiers Standard, un système de mobilier de conteneur conçu pour le pavillon de l’Esprit Nouveau en 1925 avec Le Corbusier. Et ce sont précisément ces meubles qui sont encore en production aujourd’hui grâce à la collaboration commencée en 1960 entre Cassina et la Fondation Le Corbusier avec la ligne LC Collection.

L’expérience indienne de Pierre Jeanneret l’a également amené à participer à d’autres projets. Pendant ses années de travail, il a également été doyen de l’école d’architecture de Chandigarh et consultant pour de nouveaux projets urbains dans l’État du Pendjab, au nord-ouest du pays. Il a également participé à des projets d’urbanisme pour d’autres villes indiennes, notamment Sundar Nagar, Delhi et Ahmedabad, la plus grande ville de l’État du Gujarat, dans l’ouest du pays. D’un point de vue humain aussi, les dernières années vécues en Inde ont été spéciales pour cet homme qui, né en Suisse en 1896, a trouvé sa dimension idéale à l’autre bout du monde. A tel point que lorsqu’il est mort en 1967 à Genève, selon son testament, ses cendres ont été dispersées sur le lac Sukhna de Chandigarh.

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Pour tous, il est le roi du design, mais il se définit comme le prince de l’inutile : redécouvrons ensemble à travers quelques une de ses créations l’inspiration et la philosophie du designer français aux multiples facettes.

Plus de dix mille créations en 50 ans, soit environ 200 projets par an, les chiffres de Philippe Starck sortent de l’ordinaire, mais le designer français tient à préciser qu’il n’a pas un emploi du temps chargé.

Je suis soit la personne lente la plus rapide du monde, soit la personne rapide la plus lente du monde.

Philippe Starck

En fait, ce qui le pousse à créer constamment, c’est une “forme légère d’autisme” qui le tient à l’écart des distractions. Après tout, c’est le seul destin que Starck pouvait s’imaginer : sa mère peignait, son père dessinait des avions. Une circonstance qui a appris à l’enfant Philippe l’importance de la rigueur. “Pour moi, l’invention est un devoir”, a-t-il déclaré. Et en tant qu’étudiant, il a même dépassé le maître, en concevant plus qu’un avion : un vaisseau spatial. Et pourtant, malgré son succès planétaire, une question le hante : comment donner un sens au métier de designer, qui ne sauve certainement pas des vies humaines ? Sa réponse vient du TED Talk : créer des objets qui sont utiles avant d’être beaux, qui améliorent la vie du plus grand nombre. La conception doit être démocratique, contribuer à l’évolution de l’espèce. Parce que “personne ne doit pas être un génie, mais chacun doit jouer son rôle”.

Philippe Starck et les mille visages du design industriel

Essayez de rechercher Philippe Starck sur Google Images. Vous y trouverez une collection – incomplète- d’objets qui, à première vue, vous donnera au moins une vague idée des domaines dans lesquels sa créativité s’est étendue. Tout le monde connaît Philippe Starck pour le presse-agrumes Juicy Salif d’Alessi. Cet objet insolite en forme d’araignée qui est devenu un objet culte à exposer même dans son salon. Mais il n’y a pas de snobisme dans la production du designer français. Il y a plutôt un impératif : être “subversif, éthique, écologique, politique, humoristique”. On pourrait dire qu’avant même d’être un créateur, Starck est un philosophe. Un bienfaiteur de la fonctionnalité qui, au cours de sa prolifique carrière qui a débuté à la fin des années 60, a tout conçu: des brosses à dents aux tongs, de l’anti-Iphone à une collection d’objets pour enfants en collaboration avec la chaîne américaine à bas prix Target.

En bref, vous pouvez porter une paire de Philippe Starck, vous concentrer grâce à une monture de lunettes Philippe Starck, écouter une compilation de Philippe Starck (elle s’appelle Ombre), naviguer sur le plus grand voilier du monde et même vous endormir avec deux gouttes de Philippe Starck.

Des hôtels design bon marché

Le Parisien, né en 1949, a plus de 170 bâtiments à son actif, ainsi que des projets de décoration intérieure : du restaurant Amo à Venise aux P.A.T.H. (Prefabricated Accessible Technological Homes).

Un globe-trotter comme lui ne pouvait pas ne pas révolutionner aussi l’hôtellerie. Dans son esprit, l’hôtel n’est pas un lieu de passage impersonnel, mais un espace plein de surprises et d’humour, où l’on peut vivre des expériences qui sortent de l’ordinaire.

Ici aussi, le but ultime est la “démocratie de qualité”. Ainsi, à côté des stations de luxe, Starck conçoit des hôtels design qui sont accessibles pour la plupart d’entre nous. De la Paramount à New York, au Mama Shelter à Bordeaux, où vous pouvez réserver une chambre à partir de 49 euros.

L’ameublement avec Starck

Philippe Starck conçoit également des projets de mobilier et d’éclairage qui suivent le même fil rouge éthique et visionnaire, en se concentrant sur l’essentiel. Une approche gagnante, si l’on constate le succès de la chaise Louis Ghost pour Kartell qui est la plus vendue au monde.

Tout le monde sait maintenant que le plastique est chic.

Une ultime confirmation ?

Un projet comme celui de Madame Milano (photo ci-dessous), le fauteuil rembourré par Emilio Pucci.

Et si le design raconte une histoire, surtout s’il est guidé par la devise “moins de matière, plus d’intelligence”, la lampe de table Bonjour Versailles nous emmène dans la France du Roi Soleil. Inspirée d’un dessin de Louis XIV et signée par Flos et Baccarat, elle réunit histoire et modernité, science et poésie, aristocratie et démocratie.

Et vous, êtes-vous prêt à accepter le projet et le mindset de Philippe Starck pour améliorer votre vie ?

N.B: photo de garde: source Pinterest. Portfolio de Mattia Aquila, photo publiée sur AD Italia 2017.

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Parmi ses projets les plus célèbres figurent non seulement les chaises iconiques des galeries du Louvre, mais aussi les intérieurs des appartements privés du Palais de l’Elysée.

Pierre Paulin est le designer qui a le mieux interprété les changements des années 60 et 70 avec des meubles éclectiques et sculpturaux. Son style, hédoniste et sinueux, a influencé des designers célèbres comme Olivier Mourgue qui a créé l’emblématique chaise Djinn rouge pour Airbone International en 1965.

Sa biographie

Né à Paris en 1927 d’un père français et d’une mère suisse, il est le petit-fils de Georges Paulin, le premier à concevoir une voiture décapotable pour la carrosserie Marcel Pourtout. Une passion pour les voitures que Pierre développera également. N’ayant pas obtenu son diplôme, le jeune Paulin s’installe d’abord à Vallaurius, où il travaille comme céramiste, puis en Bourgogne, où il se spécialise dans la sculpture sur pierre. Il a ensuite fréquenté l’Ecole Camondo à Paris où il a obtenu son diplôme en 1950.

Champignons, huîtres et tulipes ne sont que quelques-unes des formes dont le designer français s’inspire tout au long de sa carrière. Formé sous la direction du designer parisien Marcel Gascion, Paulin a été influencé par l’esthétique scandinave et les designers américains modernes tels que Charles et Ray Eames et Florence Knoll.

En 1953, il expose ses premières créations dans la section “Le Foyer d’aujourd’hui” du Salon des arts ménagers et l’année suivante, Thonet commence à produire ses propres meubles. Entre 1960 et 1970, Pierre Paulin a développé pour Artifort une gamme de sièges en bois moulé, remplis de mousse Pirelli et rembourrés de tissu extensible. Ses vrais incontournables étaient surtout formes douces et arrondies, mais surtout des couleurs vives que l’on retrouve dans:

• Mushroom, modèle n° 560, (1960),
• Tongue chair, modèle n° 577, (1967),
• Ribbon chair (Ruban), modèle n° 582, (1966)

Cette période représentait la première expression complète de mes capacités, je considérais la production de chaises comme plutôt primitive et je cherchais à trouver de nouveaux procédés.

Pierre Paulin

Au cours des années 1970 et 1980, il est invité à meubler plusieurs lieux emblématiques, même si dès 1966, Pierre Paulin a participé à la refonte des espaces d’exposition du Louvre avec les designers Joseph André Motte et André Monpoix. La Chaise Dos à Dos a été commandée par le Mobilier National pour les galeries du Louvre et a été installée dans plusieurs espaces comme sièges pour les visiteurs du musée.

En 1971, Paulin a réaménagé les salles à manger, les fumoirs et les salles d’exposition des appartements privés du Palais de l’Élysée à Paris. En 1983, il a meublé le bureau de François Mitterrand.

En 1994, il se retire dans les Cévennes, dans le sud de la France, mais continue à concevoir des meubles. Il est décédé en 2009. Le président français de l’époque, Nicolas Sarkozy, l’a décrit comme “l’homme qui a fait du design un art”.

Ses oeuvres

Selon Pierre Paulin, le fauteuil Mushroom est “le meilleur objet au niveau industriel que j’ai jamais conçu”. Fabriqué en 1960, sa principale particularité est l’absence de coutures, ce qui lui donne une forme encore plus souple. En 1958, Paulin se lance dans la recherche sur les tissus extensibles et commence à travailler avec le service de développement d’Artifort pour obtenir le prototype souhaité. La méthode de construction de l’assise en une seule pièce a révolutionné la façon de concevoir les sièges. Aujourd’hui, le Mushroom fait partie de la collection permanente du MoMA à New York.

L’une des œuvres les plus expressives, mais en même temps extrêmement simples, de Paulin est sans aucun doute la chaise Tongue (1967), caractérisée par un design en forme de S. Le design d’une seule pièce se confirme : les formes accompagnent le corps de manière ergonomique, tandis que le revêtement en tissu présente à la fois les couleurs monochromes classiques vives et celles aux motifs plus fantaisistes.

La série des Tulip (1960), extrêmement célèbre, a été inspirée par la fleur du même nom, dont le dossier et les accoudoirs représentent des pétales à moitié ouverts. Cette série comprend également la Tulip Midi et deux versions différentes de la Petite Tulipe (pour le bureau et comme tabouret de bar). Tout comme le fauteuil Mushroom, la Tulipe fait également partie de la collection d’Artifort.

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Avec le fauteuil Joe, produit par Poltronova à partir de 1971, les designers Jonathan De Pas, Donato D’Urbino et Paolo Lomazzi rendent hommage à l’une des personnalités les plus célèbres de cette période: le champion américain de base-ball Joe Di Maggio, époux de Marylin Monroe.

Leur projet vise à dépasser, avec ironie et légèreté, les règles rigides du rationalisme et une ouverture vers le monde de la pop. “Depuis les premières années d’activité du studio, les auteurs ont pu tracer leur propre cheminement alternatif et rebelle grâce à ce projet concret et efficace, en phase avec l’industrie. De Pas, D’Urbino et Lomazzi se sont amusés à imaginer des produits déstabilisants, mais toujours rigoureusement fonctionnels”, écrit l’historienne Maria Teresa Feraboli.

Cet objet emblématique témoigne de la capacité du design italien à faire de l’objet du quotidien quelque chose d’inattendu et d’artistique. Le fauteuil reproduit un gant de base-ball en taille géante, imitant à la perfection ses matériaux, ses couleurs et ses détails : coutures, renforts, lacets et œillets. Avec sa sellerie en cuir, il est conçu pour accueillir deux personnes. Malgré l’aspect ludique du fauteuil en forme de main, le siège est étonnamment confortable et ergonomique. De Pas, D’Urbino et Lomazzi ont travaillé sur son prototype d’abord en argile, puis en plâtre, et ont ensuite fabriqué la matrice du moule pour injecter le polyuréthane. “Nous avons beaucoup travaillé sur la maquette : elle a été mise sur un piédestal, les mêmes que ceux utilisés pour faire des sculptures. Pour le démontrer, nous avons mis des sacs de jute par-dessus parce que l’argile était humide, puis nous nous sommes assis dessus jusqu’à ce que nous trouvions les bonnes formes”, explique Paolo Lomazzi.

L’audace du projet est également démontrée par la campagne publicitaire conçue par Poltronova. “Au moment des débuts de Joe, Sergio Cammilli [le fondateur de Poltronova, ndlr] était terrifié par les droits d’utilisation liés au nom de Joe Di Maggio. C’est ainsi que, grâce à Paolo Lecci, le slogan “JOE… di maggio [qui veut dire mai en italien, ndlr] , juin, juillet…” voit le jour. Une petite blague qui se justifiait aussi par notre jeune âge”, disent les concepteurs. Le fauteuil Joe est peut-être le projet qui représente le mieux ce qu’Andrea Branzi décrit comme “une réinterprétation ponctuelle des typologies et des fonctions, mélangées à l’utilisation de nouveaux matériaux, qui parcourt le champ, le traverse transversalement, introduisant des rafales de vent chaud, d’énergie et de vitalité dans le projet”.

A cette période là, Poltronova était certainement parmi les entreprises les plus dynamiques et les plus productives du design italien. Dans les années 1960, dans une région comme la Toscane qui ne produisait rien en matière de design, Poltronova comptait dans ses équipes tous les meilleurs éléments : non seulement Ettore Sottsass, qui était directeur artistique, mais aussi Gae Aulenti, Paolo Portoghesi, Giovanni Michelucci, Angelo Mangiarotti, Archizoom, Superstudio, De Pas-D’Urbino-Lomazzi ; donc non seulement les maîtres, mais aussi les protagonistes du “nouveau design” que l’on appelait alors les radicaux…” écrit Branzi. “Sergio Cammilli a immédiatement adopté une méthode différente et expérimentale, réunissant l’âme polycentrique du design italien, ses contradictions, ses tendances opposées”.

En 1972, le fauteuil Joe a été parmi les protagonistes de la célèbre exposition “Italy, The new domestic landscape” au MoMA de New York, qui présentait le meilleur du design Made in Italy. À partir de ce moment là, les trois designers ont été propulsés sur le devant de la scène avec un succès mondial et leurs produits ont fait partie des collections des plus importants musées du monde.

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De la Egg Chair de Arne Jacobsen jusqu’à la Panton Chair de Verner Panton, sans oublier le maître de la chaise, Hans Wegner

Les chaises modernes sont, sans doute, les pièces les plus emblématiques du design. La raison ? Plus ou moins tout le monde, des architectes les plus célèbres aux designers les plus contemporains, s’est essayé à la création d’au moins un modèle. En effet, la chaise est un complément qui, plus que tout autre, reflète la combinaison naturelle de la fonction et de l’esthétique, depuis ses caractéristiques les plus élémentaires, tels que les matériaux utilisés, jusqu’aux formes de design les plus travaillées.

Cela ne fait aucun doute qu’au fil du temps, nous avons assisté à un développement progressif des projets. Dans ce sens, il est impossible de ne pas mentionner les textes Modulor et Modulor 2, publiés respectivement en 1948 et 1953 par Le Corbusier, dans lesquels l’architecte exprime essentiellement son soutien à la recherche que Vitruve, Da Vinci et Leon Battista Alberti avaient entamé des siècles plus tôt : trouver la relation mathématique entre la dimension humaine et la nature, et dans un sens plus large, nous pouvons parler des textes qui traitent du thème de l’ergonomie.

Toujours dans l’ère moderne, on peut également mentionner la bataille d’avocats qui a vu la célèbre chaise Cantilever contestée par Mart Stam et Marcel Breuer. Tous deux ont été appelés à témoigner devant les tribunaux allemands car ils étaient convaincus d’être les premiers à avoir inventé le système innovant des chaises en zigzag. La guerre des brevets s’est terminée par la victoire de Stam, allant même jusqu’à lui attribuer à tort de nombreuses créations de Breuer. Aujourd’hui, la chaise S 33 de Mart Stam est produite et distribuée par Thonet, qui détient le droit d’auteur artistique de l’architecte néerlandais.

Dans sa simplicité, la chaise est interprétée comme un objet qui donne une liberté d’expression à ceux qui la conçoivent, une toile vierge et une œuvre d’art qui peut être transformée selon les idéaux et les préférences des concepteurs. Nous avons sélectionné 10 chaises design emblématiques, à travers lesquelles les architectes qui les ont conçues ont exprimé les idéaux et les compétences de conception les plus élevés.

Egg Chair de Arne Jacobsen

Conçu par l’un des pères fondateurs du design scandinave, Arne Jacobsen, l’Egg Chair est le résultat de techniques innovantes. Jacobsen, à l’aide d’argile, a sculpté le premier prototype de la chaise dans son garage avec l’idée de perfectionner sa forme. La structure a ensuite été fabriquée à partir d’une coque en mousse robuste, ce qui a donné naissance à une forme unique qui assure l’intimité sans isoler complètement la personne qui s’y assoit. Le fauteuil Egg d’Arne Jacobsen présente un contraste de formes sculpturales et abondantes qui en font un siège confortable et enveloppant.

Wishbone Chair, Hans Wegner

La chaise Wishbone, du designer danois Hans Wegner, est inspirée des portraits de marchands danois assis sur des chaises Ming et produite par Carl Hansen & Søn depuis 1950. La chaise se compose d’un cadre en bois massif courbé à la vapeur et d’un siège tissé à la main à partir d’un cordon de papier pressé. Pour assurer la stabilité du bois et fournir un support confortable, Wegner a développé le dossier caractéristique en forme de Y, symbole emblématique de la chaise et du design de Wegner lui-même.

Panton Chair, Verner Panton

Créée par Verner Panton en 1960, la chaise Panton est une icône du design du 20e siècle. Cette chaise a été la première au monde à être reproduite à partir d’une seule pièce de plastique moulée en forme de S. Sa conception est née de l’idée de créer une chaise en plastique empilable. La Panton Chair a reçu de nombreux prix internationaux de design et fait partie des collections de nombreux musées parmi les plus importants du monde.

Jacobsen Series 7 Chair, Arne Jacobsen

La deuxième pièce dans cette sélection signée par Arne Jacobsen est la chaise Series 7, une variation de la Ant Chair. Il s’agit de la chaise la plus populaire de l’histoire de l’entreprise danoise de meubles Fritz Hansen. La série 7 est empilable et comporte un siège en placage de bois moulé sous pression. Elle est disponible en différentes finitions, ce qui lui permet de s’adapter à une grande variété d’intérieurs.

PP130 Circle Chair, Hans Wegner

La chaise Circle PP130 de Hans Wegner est une chaise longue dont le dossier est composé d’un réseau de lignes et d’une structure en bois de frêne. Les coussins de l’assise et de l’appui-tête sont amovibles et tapissés de tissu. Wenger pensait que le cercle était la forme la plus simple et la plus élégante de toutes, et concevoir une chaise qui en imite les lignes était depuis longtemps un de ses rêves. Le design de la Circle Chair n’a été achevé qu’à l’âge de 72 ans (c’est-à-dire en 1986) et, malgré les difficultés rencontrées lors de la production, la chaise s’est avérée être l’un des designs les plus reconnus de Wegner.

Fauteuil Pélican, Finn Juhl

La chaise Pélican de Finn Juhl reflète l’intérêt du designer pour le surréalisme et constitue l’une de ses pièces les plus innovantes. Introduite à l’origine en 1940, cette chaise se distingue par la forme inhabituelle de son dossier en forme de pélican et par ses lignes douces et organiques. S’asseoir sur le fauteuil Pélican, c’est comme recevoir une dose de cocooning.

Flag Halyard Chair PP225, Hans Wegner

La chaise Flag Halyard de Hans Wegner rend hommage aux idées des premiers architectes modernistes, tels que Le Corbusier, Mies van der Rohe et Marcel Breuer, tout en restant fidèle aux lignes typiques du design de Wegner. Bien que l’apparence de la Flag Halyard Chair semble plutôt futuriste, compte tenu notamment de la structure en acier et du dossier qui s’ouvre comme les ailes d’un avion, l’idée de base a été conçue lors d’une chaude après-midi d’été, alors que Wegner essayait de creuser un siège confortable dans le sable. De retour à la maison, il a fait ses premières esquisses en matérialisant les premières idées qu’il avait eu sur la plage.

Louis Ghost Chair, Philippe Starck

Le fauteuil Louis Ghost, conçu par Philippe Starck pour Kartell, est un triomphe postmoderne d’innovation technique et de style historique, car il réinvente le fauteuil classique Louis XVI en utilisant une coque entièrement en plastique. Cette interprétation translucide donne un fauteuil robuste avec un dossier médaillon et un confort agréable. Ironique et élégant, étant donné l’appropriation formelle de son prédécesseur royal, la chaise Louis Ghost convient aussi bien aux environnements intérieurs qu’extérieurs.

Chair 69, Alvar Aalto

La chaise 69, héritière de l’iconique tabouret 60, est l’une des chaises les plus populaires produites par Artek. Conçue par Alvar Aalto, c’est une chaise universelle en bois dont les lignes transmettent force et stabilité tout en restant élégantes. Sa large assise et son dossier de soutien sont disponibles dans une remarquable variété de couleurs et de finitions.

Spanish Chair, Børge Mogensen

Pour la conception de la chaise espagnole, Børge Mogensen s’est inspiré d’un voyage en Espagne où il a remarqué une grande tradition de chaises avec de larges accoudoirs. Tendance courante dans les régions influencées par l’ancienne culture islamique. Mogensen a combiné ce détail avec ses travaux précédents et le fonctionnalisme pour créer la chaise espagnole. Son cadre en bois révèle un design robuste et un caractère durable. L’assise et le dossier en cuir contribuent à son caractère rustique.

Et vous quelle est votre chaise favorite dans l’histoire du design?

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