Cet article fait le point sur les principes du rivetage, le choix du rivet adapté, et les erreurs à éviter, que vous soyez bricoleur ou professionnel.

Pourquoi choisir le rivet plutôt que la soudure ou la vis

Sur une tôle fine ou de l’aluminium, la soudure présente un risque réel : la chaleur déforme le métal, crée des points de fragilité et demande un savoir-faire spécifique à l’aluminium (procédé TIG ou MIG adapté). Pour un assemblage rapide, sans apport de chaleur, le rivet reste une solution fiable.

Face à la vis ou au boulon, le rivet a un autre avantage : il ne nécessite pas d’accès des deux côtés de la pièce lorsqu’on utilise un rivet aveugle (dit aussi rivet pop). Cela le rend indispensable dès que l’envers de la pièce est inaccessible, par exemple à l’intérieur d’un tube, d’un caisson ou d’une carrosserie fermée.

La visserie garde toutefois son intérêt quand l’assemblage doit être démontable. Un rivet posé est définitif : pour le retirer, il faut le percer. Une vis, elle, se dévisse.

Le rivet standard : principe et fonctionnement

Le rivet standard (ou rivet aveugle) se compose de deux parties : un corps tubulaire creux et une tige (le mandrin) qui le traverse. On insère le rivet dans un trou préalablement percé dans les deux tôles à assembler, puis on tire sur le mandrin à l’aide d’une pince à riveter. Le corps du rivet s’écrase et forme une tête côté invisible, pinçant ainsi les deux tôles. Le mandrin se rompt ensuite au niveau prévu, ne laissant dépasser que la tête visible.

Cette technique de fixation, largement utilisée en tôlerie, en menuiserie aluminium et en carrosserie, permet un assemblage solide en quelques secondes, sans formation poussée. Pour approfondir le sujet et comparer les références disponibles, la page dédiée au rivetage chez Bricovis détaille les différents formats de rivets standards.

Bien choisir son rivet

Le choix du rivet dépend de plusieurs critères, à vérifier avant tout achat.

Le matériau du rivet

1. Aluminium : léger, résistant à la corrosion, adapté à la plupart des usages courants (tôlerie, menuiserie, mobilier extérieur).
2. Inox : recommandé en milieu humide ou marin, ou pour l’assemblage de pièces en inox (éviter le couple aluminium/acier qui favorise la corrosion galvanique).
3. Acier zingué : bon compromis résistance mécanique/prix pour un usage intérieur.

Le diamètre Il doit correspondre au diamètre du trou percé. Les diamètres courants vont de 2,4 mm à 6,4 mm. Un rivet trop fin manque de tenue mécanique, un rivet trop large peut fissurer une tôle fine lors de la pose.

La longueur (plage de serrage) Chaque rivet a une plage de serrage indiquée par le fabricant, correspondant à l’épaisseur totale des tôles à assembler. Un rivet trop court ne formera pas de tête correcte côté invisible, un rivet trop long laissera un jeu et un assemblage peu solide.

La forme de la tête

1. Tête plate : la plus courante, bonne répartition de la pression.
2. Tête large (rivet à large embase) : utile sur des matériaux fragiles ou perforés (plastique, bois tendre, tôle très fine), car elle répartit l’effort sur une plus grande surface.
3. Tête fraisée : pour un affleurement parfait quand l’esthétique ou l’aérodynamisme compte (carrosserie, aéronautique amateur).

Le matériel nécessaire

Pour un usage occasionnel, une pince à riveter manuelle suffit amplement. Elle convient aux diamètres jusqu’à 4,8 mm environ.

Pour un usage plus intensif ou des diamètres supérieurs, une pince pneumatique ou électroportative réduit la fatigue et accélère la cadence, un critère à considérer en atelier professionnel.

Il faut également prévoir :

1. un foret adapté au diamètre exact du rivet,
2. une perceuse ou perceuse-visseuse,
3. un marqueur pour repérer les points de perçage,
4. éventuellement une pince à riveter à embouts interchangeables si plusieurs diamètres sont utilisés régulièrement.

Étapes pour un rivetage réussi

1. Préparer les pièces : aligner et maintenir les tôles avec une pince étau ou un serre-joint pour éviter tout mouvement pendant le perçage.
2. Percer : utiliser un foret au diamètre exact du rivet, perpendiculaire à la surface, en perçant les deux épaisseurs en une seule fois si possible pour garantir l’alignement des trous.
3. Insérer le rivet : le corps dans le trou, jusqu’à ce que la tête touche la tôle.
4. Sertir : actionner la pince jusqu’à rupture du mandrin.
5. Contrôler : vérifier que la tête arrière est bien formée et que l’assemblage ne présente pas de jeu.

Erreurs fréquentes à éviter

Percer un trou trop large. Un jeu excessif entre le rivet et le trou réduit fortement la résistance au cisaillement de l’assemblage.

Négliger la compatibilité des métaux. Associer aluminium et acier sans précaution favorise la corrosion galvanique, surtout en extérieur ou en milieu humide.

Sous-estimer la plage de serrage. C’est l’erreur la plus courante chez les débutants : vérifier systématiquement l’épaisseur totale à assembler avant de choisir la longueur du rivet.

Utiliser un seul rivet là où l’effort mécanique impose plusieurs points de fixation. Sur une tôle fine soumise à des vibrations (véhicule, remorque, structure extérieure), mieux vaut multiplier les points d’ancrage plutôt qu’augmenter le diamètre d’un seul rivet.

Exemples d’usage concrets

1. Carrosserie et remorques : fixation de tôles d’habillage, de bavettes, de réparations ponctuelles sans soudure.
2. Menuiserie aluminium : assemblage de profilés, de volets roulants, de stores.
3. Ventilation et climatisation : montage de gaines et conduits en tôle fine galvanisée.
4. Mobilier métallique extérieur : bancs, jardinières, structures légères où la vis seule ne suffirait pas à garantir l’étanchéité ou la tenue dans le temps.
5. Petites réparations d’électroménager ou de boîtiers métalliques : là où l’accès arrière est impossible.

Rivet ou visserie : comment trancher

Le rivet s’impose quand l’assemblage est définitif, quand l’accès à l’envers de la pièce est impossible, ou quand on veut éviter tout risque de desserrage par vibration. La vis reste préférable pour un assemblage démontable, réglable, ou nécessitant un serrage contrôlé (couple de serrage précis, par exemple en mécanique).

Dans de nombreux projets, les deux techniques se complètent : structure rivetée pour la tenue générale, points vissés pour les éléments à démonter régulièrement (trappes, capots, panneaux d’accès).

En résumé

Réussir un assemblage en aluminium ou en tôle fine repose sur trois choix simples mais déterminants : le bon diamètre de rivet, la bonne plage de serrage, et un matériau compatible avec les pièces à assembler. Avec un outillage basique et un peu de méthode, le rivetage offre un résultat solide, propre et rapide, aussi bien pour un projet ponctuel que pour une production en atelier.

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Un fauteuil iconique d’occasion peut transformer un salon… ou devenir une mauvaise affaire si l’on confond belle silhouette, réédition fragile et copie opportuniste. Le problème est simple : les modèles les plus désirables — Eames, Togo, Barcelona, Egg Chair, LC — circulent beaucoup, avec des écarts de prix énormes selon l’état, l’éditeur, la période et les preuves disponibles.

Verdict rapide

Pour un premier achat, les meilleurs compromis sont souvent le Togo de Ligne Roset, la LC2 de Cassina, une chaise longue ou lounge chair Vitra, ou un fauteuil scandinave bien documenté. Ils restent désirables, faciles à intégrer et assez liquides à la revente si l’achat est fait au juste prix.

*Fourchettes indicatives observées sur le marché de seconde main : elles varient selon édition, état, pays, restauration et rareté.

Top 10 des fauteuils design iconiques à viser d’occasion

1. Eames Lounge Chair & Ottoman

Le symbole du fauteuil lounge haut de gamme. À acheter seulement avec photos détaillées du piètement, des coques bois, des coussins et de l’étiquette Vitra ou Herman Miller. Une belle patine peut valoriser la pièce ; un cuir craquelé ou une coque fendue change tout.

2. Togo — Ligne Roset

Très recherché pour les salons décontractés. L’avantage : il se revend bien. Le risque : mousse tassée, odeurs, housse fatiguée. Essayez de voir le profil de côté : un Togo trop plat coûte cher à remettre en forme.

3. Barcelona — Knoll

Pièce très copiée. La version Knoll se reconnaît par la qualité de l’acier, du cuir, des coutures, du marquage et des proportions. Sans preuve, négociez comme une inspiration, pas comme une icône authentifiée.

4. LC2 ou LC3 — Cassina

Excellent choix pour un salon contemporain. Vérifiez la structure tubulaire, l’état du chrome, la densité des coussins et les marquages Cassina. Une sellerie refaite peut être positive si elle a été faite proprement.

5. Egg Chair — Fritz Hansen

Très décoratif, mais encombrant. Avant d’acheter, mesurez votre passage de porte, l’espace de rotation et l’état du mécanisme. Les tissus refaits ne sont pas forcément un problème, mais ils doivent être déclarés.

6. Swan Chair — Fritz Hansen

Plus compact que l’Egg Chair, idéal en fauteuil d’appoint. Regardez la base, la stabilité, les coutures et l’uniformité de la mousse. Les couleurs fortes séduisent, mais les tons neutres se revendent souvent plus facilement.

7. Wassily — Marcel Breuer

Un classique Bauhaus intéressant si le cuir est tendu et si la structure chromée n’est pas piquée. Les sangles trop détendues transforment un bon prix en budget restauration.

8. Paimio — Alvar Aalto

Moins courant, très recherché par les amateurs de bois courbé. Inspectez les fissures, réparations, vernis et assemblages. Ici, la documentation est essentielle.

9. Fauteuil scandinave en teck

Pas toujours signé, mais souvent excellent en rapport style/prix. Privilégiez les assemblages solides, une assise retapissable et un bois non massacré par un ponçage agressif.

10. Fauteuil club vintage de belle facture

Moins “designer star”, mais très humain dans un intérieur. Le cuir pleine fleur patiné est un atout ; le simili qui pèle, les ressorts bruyants et l’odeur de cave sont des signaux d’alerte.

Pourquoi acheter un fauteuil design d’occasion ?

Parce qu’une bonne pièce a déjà prouvé sa durabilité. L’occasion permet souvent d’accéder à un éditeur reconnu pour moins cher que le neuf, tout en évitant la production d’un meuble supplémentaire. C’est aussi une manière de donner du caractère à une pièce sans tomber dans le décor catalogue.

Comment reconnaître une vraie pièce design ?

• Demandez les preuves : facture, bon de livraison, certificat, étiquette, photo de détail.
• Comparez les proportions : les copies trahissent souvent un dossier trop haut, une base trop fine ou des coutures approximatives.
• Vérifiez les matériaux : cuir, laine, bois, acier et mousses doivent correspondre au niveau annoncé.
• Appelez l’éditeur si besoin : avec photos et numéros, certains services peuvent orienter l’authentification.

Combien payer sans se tromper ?

La bonne méthode consiste à regarder les annonces vendues ou réellement réservées, pas seulement les prix affichés. Retirez ensuite le coût probable de transport, nettoyage, retapissage ou réparation. Un fauteuil à 1 200 € qui nécessite 900 € de sellerie n’est pas forcément une affaire.

Vidéo utile pour se repérer

Cette vidéo permet de visualiser plusieurs chaises et fauteuils iconiques avant de comparer les annonces :

Questions fréquentes

Un fauteuil design d’occasion garde-t-il sa valeur ?

Oui, surtout s’il est authentifié, bien entretenu et produit par un éditeur reconnu. Les modèles très copiés nécessitent davantage de preuves.

Faut-il accepter un tissu refait ?

Oui si le travail est propre, documenté et cohérent avec la valeur du modèle. Pour les collectionneurs, un revêtement d’origine en bon état peut rester préférable.

Quelle erreur éviter en priorité ?

Acheter uniquement sur une photo flatteuse. Demandez toujours des détails, mesures, défauts et conditions de transport.

Photo : Rene Terp / Pexels

À propos de l’auteur : Vincent Vandegans observe le marché du mobilier design d’occasion, les tendances déco et les bons réflexes d’achat/revente pour aider les lecteurs à choisir des pièces durables, désirables et cohérentes avec leur budget.

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Bijoux oubliés dans un tiroir, tableaux, argenterie, meubles anciens ou pièces de collection peuvent avoir une valeur financière ou sentimentale importante. Les perdre par précipitation représente un risque réel, aussi bien sur le plan matériel qu’émotionnel. Voici comment procéder pour ne rien laisser passer.

Identifier les objets de valeur avant de commencer

La première étape consiste à faire un inventaire, même sommaire, avant de commencer le tri. Certains objets sont facilement identifiables (bijoux, montres, argenterie, tableaux signés), d’autres le sont moins.

Points à vérifier systématiquement :

• les tiroirs de commodes et de bureaux, souvent utilisés comme cachette
• les boîtes, coffrets et enveloppes rangées dans les armoires
• les livres, qui peuvent contenir des documents ou des billets
• les meubles anciens, dont la valeur n’est pas toujours visible au premier regard
• les vêtements et manteaux, où l’on retrouve parfois des bijoux ou de l’argent liquide

Un tri trop rapide, fait sous pression (notamment lors d’un débarras après un décès), est la cause la plus fréquente de pertes d’objets de valeur. Prendre le temps de vérifier pièce par pièce, même brièvement, évite ce type de mauvaise surprise.

Sur un sujet proche, notre article sur comment organiser un débarras avant une mise en vente détaille les étapes à suivre pour structurer ce tri sans se laisser déborder.

Faire estimer les objets par un professionnel

Une fois les objets potentiellement précieux mis de côté, l’étape suivante est l’estimation. Il est facile de se tromper dans les deux sens : sous-estimer un objet ancien de valeur, ou au contraire, garder un objet sans réelle valeur marchande par attachement.

Plusieurs options existent pour faire estimer un bien :

Le commissaire-priseur. Il peut évaluer mobilier, tableaux, bijoux et objets d’art, et orienter vers une vente aux enchères si pertinent. Le site de l’hôtel des ventes Drouot permet de repérer des experts par spécialité.

Le bijoutier ou l’expert en gemmologie. Pour tout ce qui touche aux métaux précieux et aux pierres, une estimation par un professionnel évite de vendre en dessous de la valeur réelle.

Le brocanteur ou antiquaire. Utile pour du mobilier ou des objets du quotidien anciens, dont la valeur est souvent mal connue du grand public.

Dans le cadre d’une succession, il est aussi recommandé de consulter les informations officielles sur l’évaluation des biens, disponibles sur service-public.fr, notamment lorsque les objets doivent être déclarés dans l’actif successoral.

Un tri méthodique et une estimation par un professionnel permettent d’éviter de perdre de la valeur lors d’un débarras.

Les différentes options de valorisation

Une fois l’estimation faite, plusieurs solutions existent pour valoriser ces objets, selon leur nature et l’urgence de la situation.

La vente aux enchères. Adaptée aux objets d’art, meubles anciens et pièces de collection ayant une valeur confirmée par un expert.

La revente directe. Via des plateformes spécialisées ou des brocanteurs, pour des objets de valeur plus modeste mais qui trouveront preneur rapidement.

Le don. Certaines associations ou structures caritatives acceptent des objets en bon état, avec parfois un reçu fiscal à la clé.

Le rachat par un professionnel du débarras. De nombreuses entreprises spécialisées intègrent une phase de valorisation dans leur prestation, ce qui permet de déduire la valeur des objets rachetés du coût global de l’intervention.

C’est notamment le rôle d’un service spécialisé dans le débarras et la valorisation : au lieu de séparer le tri, l’estimation et le débarras en trois démarches distinctes, tout est géré en une seule intervention, avec une identification des objets de valeur en amont du vidage.

Attention particulière en cas de succession

Lorsque le débarras intervient après un décès, la question des objets de valeur se double d’un enjeu juridique. Tant que le partage successoral n’est pas finalisé entre les héritiers, aucun bien ne devrait être vendu, donné ou jeté sans accord de l’ensemble des ayants droit.

Il est conseillé de :

• attendre l’accord de tous les héritiers avant toute cession
• conserver une trace écrite (photos, inventaire) des objets identifiés
• solliciter le notaire en charge de la succession en cas de doute sur un objet ou un document

Ces précautions évitent des litiges ultérieurs, parfois coûteux, entre membres d’une même famille.

Les erreurs à éviter

Jeter sans vérifier. Un tableau poussiéreux ou un vieux meuble sans charme apparent peut avoir une réelle valeur marchande.

Brader par manque de temps. La pression du calendrier (fin de bail, vente immobilière imminente) pousse parfois à accepter une offre bien inférieure à la valeur réelle.

Négliger les documents. Livrets d’épargne, actions au porteur, contrats d’assurance-vie peuvent se trouver mélangés à des papiers sans importance.

Se passer d’un professionnel. Un œil expert repère en quelques minutes ce qu’un non-spécialiste ne verrait pas, même après plusieurs heures de tri.

En résumé

Avant de vider une maison, mieux vaut prendre le temps d’identifier, faire estimer, puis valoriser les objets qui le méritent. Cette étape, bien qu’elle rallonge légèrement le processus, permet d’éviter des pertes financières et sentimentales souvent irréversibles.

Faire appel à un professionnel qui combine tri, estimation et débarras dans une même prestation reste, dans la majorité des cas, la solution la plus simple et la plus sûre pour ne rien laisser au hasard.

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L’Egg Chair est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre d’Arne Jacobsen, un fauteuil ovoïde dont la coque renferme les lignes directrices de cet architecte danois, entre le néo-romantisme de De Stijl, les instances d’avant-garde du Bauhaus et la rigueur formelle nordique.

Arne Jacobsen

Malgré ses nombreux travaux en architecture, avec la conception de maisons, de banques, d’écoles et de théâtres, Jacobsen est surtout connu comme designer, du fauteuil Egg Chair, mais pas seulement : sa renommée internationale est venue avec une série de meubles intemporels, dont beaucoup sont encore présents dans les collections design.

Sa production de chaises est célèbre, en collaboration avec la société danoise Fritz Hansen, en particulier pour le type de chaise consistant en une coque façonnée avec des pieds en métal tubulaire fin. Le fauteuil Ant à trois pieds avec une coque en contreplaqué incurvée, le fauteuil enveloppant Egg, le siège Swan à trois pieds et la polyvalente Série 7, tous produits par Fritz Hansen, doivent leur attrait intemporel à la combinaison de la recherche formelle et de l’expérimentation technique. Une combinaison parfaite qui a transformé le matériau en un véritable support créatif.

L’origine du fauteuil Egg

Le fauteuil d’Arne Jacobsen initialement conçu pour le hall de l’Hôtel Royal de Copenhague, porte dès le départ le nom Eggd. Ce qui annonce déjà très clairement ses intentions, découlant directement de sa ressemblance avec une coquille d’œuf polie.

Le designer danois fusionne toutes les parties fonctionnellement distinctes, c’est-à-dire l’assise, le dossier et les accoudoirs, en une seule forme : le résultat est un cocon protecteur, incurvé et invitant, comme l’intérieur d’une coquille d’œuf. La grande différence ? Le fauteuil oeuf de Jacobsen offre à son invité une remarquable variété de positions.

Encore produit aujourd’hui, le fauteuil Oeuf est le résultat de processus complexes, le plus souvent manuels. Elle est réalisée en recouvrant la coque d’un matériau synthétique, créé par une technique de moulage, avec un rembourrage en mousse de polyuréthane et une couverture en tissu ou en cuir bien ajustée, puis fixée sur une base en aluminium à quatre branches.

L’œuf fait partie de ces objets reconnaissables au premier coup d’œil. Egg est une reprise du fauteuil traditionnel avec appui-tête qui continue à traverser le temps, entre passé et futur, sans jamais vieillir.

Sa forme caractéristique de dôme a été prise d’après un modèle, comme une sculpture, recréant avec des lignes courbes une sorte de refuge dont on peut retracer le nom. Confortable et accueillant, il est conçu pour offrir des moments de détente privés, dans des espaces publics ou privés.

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Les créations de l’architecte d’intérieur Sasha Bikoff nous inspirent sur la façon de travailler avec ce ton ultra tendance. Sasha Bikoff, dit que sa philosophie de la décoration intérieure consiste à créer des pièces qui sont “une bouffée d’air frais”. S’il y a un fil conducteur qui unit beaucoup ses intérieurs, c’est la couleur rose.

Quel sentiment l’utilisation du rose évoque-t-elle dans la décoration intérieure?

Le rose est féminin, donc les femmes l’adorent et les hommes se sentent chaleureux et rassurés.

Le rose évoque le bonheur, est sensuel et apaisant. Les roses qui contiennent plus de violet ont tendance à être plus électriques et amusant. Tandis que les roses qui contiennent plus de jaune ont tendance à être plus chics et élégants.

Le rose désaturé convient parfaitement comme base neutre pour les murs ou les rideaux, pour être contrasté avec des tons opposés dans les tissus d’ameublement et les meubles pour une pièce énergique et stimulante, ou pour être associé à d’autres teintes ton sur ton pour créer un environnement relaxant.

Quelle est la meilleure manière d’utiliser le rose dans mon intérieur?

L’utilisation d’une teinte rose clair est plus sophistiquée. C’est le rose que vous pourriez trouver à Versailles ou à l’Hermitage. Un rose clair est idéal dans un grand espace comme un salon ou une chambre. Le rose clair a des nuances de nude et de terre, donc il est vraiment subtil. Il vous permet de vous associer aussi bien à des meubles et des aménagements en bois qu’à des meubles et des matériaux plus modernes dans des tons plus froids.

Quelle est la combinaison parfaite avec le rose?

Le rose et le vert sont des couleurs complémentaires et créent donc un effet d’optique naturel sans s’entrechoquer.
Selon la designer, une autre façon d’intégrer le rose est d’utiliser des fleurs pour lier les combinaisons de couleurs et le contexte, qu’il s’agisse de tissus d’ameublement, de papier peint ou d’antiquités.

Quelles sont les matières qui se marient le mieux avec le rose?

Une base rose juxtaposée à du marbre blanc et des détails en laiton ou en bronze est la clé pour créer des espaces sophistiqués et chics.
En revanche, pour introduire des détails riches mais pas trop, les tons cuivrés permettent d’utiliser des métaux dans les structures des meubles sans refroidir l’atmosphère comme le ferait l’acier, par exemple.

Et pour assortir la couleur rose à la pièce design de vos rêves, rendez-vous sur Mobilier Design Occasion!

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Pour sa nouvelle collection, Paola Navone s’inspire d’un mode de vie à l’italienne, à la fois confortable et détendu.

La beauté imparfaite du nouveau canapé Argo de Natuzzi Italia, avec ses formes douces et généreuses, est le symbole d’une façon particulière d’interpréter la vie et l’espace de vie. Le projet, conçu par Paola Navone, s’inscrit dans le cadre d’un mélange de design intitulé “The Circle of Harmony”. Ce dernier a impliqué huit designers tous très différents dans leur approche et leurs choix stylistiques et dans la création d’une collection capable de traduire en un projet de design l’identité de la marque et ses liens profonds avec sa terre d’origine. Ces autres designers ne sont autres que : Claudio Bellini, Mauro Lipparini, Maurizio Manzoni, Marcantonio, Fabio Novembre et Nika Zupanc.

Les Pouilles à l’honneur

Les Pouilles sont donc l’essence même de la collection. Cette région est évoquée à travers son esprit, son élégance informelle, mais aussi le confort indéniable qu’elle offre. Dans ce contexte, Paola Navone a choisi les couleurs, les traditions de la zone méditerranéenne et le style de vie décontracté comme point de départ d’Argo, un projet qui regarde l’espace avec des yeux nouveaux, avec les yeux de quelqu’un qui aime la nature et l’environnement changeant qui l’entoure.

Le résultat ? Un canapé doux, ample et délibérément froissé. L’aspect doux est amplifié par le rembourrage 3D et ses deux agrafes pop géantes qui, en s’enfonçant dans le dossier rendent encore plus évidente la sensation de détente et d’accueil de ce lieu de rencontre.

Argo est disponible dans les versions deux ou trois places, en fauteuil pivotant ou en chaise longue Sleeeping Argo. Il trouve sa place naturellement, la plupart du temps au centre de la pièce, devenant le protagoniste de l’espace convivial.

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Des liens de plus en plus étroits avec le monde de l’artisanat et un intérêt pour la responsabilité sociale des projets, la nouvelle génération de designers est en route pour révolutionner le design de demain. Voici 5 noms de designers français émergents.

Outre le fait que quatre d’entre eux sont diplômés de l’ENSCI-Les Ateliers à Paris, ils ont en commun au moins deux tendances contemporaines : la première est un lien de plus en plus étroit avec le monde de l’artisanat: pièces en série limitée et production non industrielle. La seconde, un intérêt croissant pour la responsabilité sociale des projets, qui doivent résoudre des problèmes majeurs notamment par la recherche de nouveaux modèles d’utilisation.

Julie Richoz

La Franco-suisse Julie Richoz est la plus établie du groupe : depuis 2013, elle a fondé un studio à Paris, collabore avec de prestigieuses galeries anglaises et françaises, signe des projets avec des sociétés telles que Tectona (mobilier d’extérieur), Alessi (un organisateur de bureau Fierzo) et Louis Poulsen (le plafonnier Cité, composé de six panneaux courbes).

Elle aime les lignes courbes, le verre coloré, comme dans ses vases Oreilles : “une des plus belles choses du verre est la façon dont la lumière passe à travers la matière”. Mais depuis peu, elle explore le monde du textile avec le tapis Binaire en raphia à motifs irréguliers conçu pour la Manufacture Cogolin. Didier Krzentowski a déclaré à son sujet : “Son travail est poétique et délicat, mais fonctionnel. Elle sait comment combiner différentes visions et utiliser de multiples références, tout en créant quelque chose de nouveau”.

Laureline Galliot

Laureline Galliot se décrit comme une “designer et peintre” : elle peint avec ses doigts sur un iPad (comme le fait David Hockney depuis quelque temps) et porte un masque de réalité virtuelle combiné à un logiciel d’animation de dessins animés. Egalement formée à l’ENSCI- Les Ateliers à Paris, elle se dit inspirée par les fauves et les expressionnistes allemands.

Une déclaration qui rappelle les post-impressionnistes : cela et bien plus encore se passe avec les designers français. Parmi ses œuvres, la collection de céramiques multicolores Contour et masse et le tapis intégral Tufty de Nodus. Quatre de ses pièces font partie de la collection nationale française de design au Centre National des Arts Plastiques à Paris. Vous pouvez trouver une vidéo à son sujet sur Youtube. Elle peint en improvisant, mais comme dans une chorégraphie car elle est aussi danseuse.

Mathieu Peyroulet Ghilini

Avec une série de quatre chevalets intitulée Sophistication, Mathieu Peyroulet Ghilini a remporté le Grand Prix du design à la Villa Noailles en 2013, mais est également exposé au Centre Pompidou à Paris et à l’Institut français de Cologne. Peyroulet Ghilini privilégie le dessin et la recherche de la forme. Des formes géométriques élémentaires et une esthétique inclassable.

Son projet Elephant Mirror, un miroir orné d’un tube lumineux créé pour la prestigieuse Galerie Kreo, et le plus célèbre Mur de Sèvres, décrit comme “une sorte de mur suspendu impalpable construit avec de la corde et de la porcelaine entrelacées, inspiré du système de décorations murales croisées que la mécène Marie-Laure de Noailles utilisait pour exposer des œuvres d’art dans son hôtel particulier parisien”.

Natacha & Sacha

Natacha & Sacha sont un couple de designers ayant un studio à Paris depuis 2017. Il s’agit de Natacha Poutoux et de son partenaire Sacha Hourcade : ils aiment interpréter les produits électroniques domestiques d’une manière nouvelle, en évitant le plastique et en se distançant de l’imagination strictement technique.

Ils ont donc créé un humidificateur d’air partiellement en verre qui ressemble à un vase, et un disque dur portable en céramique dont la forme facilite la ventilation naturelle, ce qui permet de se passer de ventilateur. Tous deux ont étudié à l’ENSCI-Les Ateliers à Paris. Après avoir travaillé sur des projets de matériel informatique avec Computer Variations, ils sont maintenant à la recherche d’idées écologiques pour le chauffage. Parmi les solutions, on trouve le tissu thermique Parterre, tissé avec des filaments qui peuvent transmettre la chaleur : il peut être utilisé pour transmettre la bonne chaleur directement au corps au lieu de chauffer toute la pièce. “La consommation d’électricité estimée est jusqu’à 16 fois inférieure à celle du chauffage traditionnel”.

Wendy Andreu

Née en 1990 en Provence, la designer Wendy Andreu se dit “fascinée par le poids, la texture et l’odeur des choses”. Elle a étudié l’artisanat, se spécialisant dans le travail des métaux à l’Ecole Boulle de Paris, puis à la Design Academy d’Eindhoven. C’est là qu’elle a commencé à concevoir Regen (“pluie” en néerlandais), une série d’objets réalisés avec un tissu imperméable innovant composé de fibres de coton et de latex, travaillé sur des moules en acier découpés au laser et personnalisés. Ce tissu lui a valu le Dorothy Waxman Textile Design Award lors du Mois du Textile à New York en 2017. Elle l’a ensuite utilisé pour une série de sacs, chapeaux et imperméables faits main (souvent épuisés sur son site web), et plus récemment pour de grands sièges composés de coussins, dont la fabrication prend plus de 300 heures. Elle compte parmi ses clients le créateur de mode Rick Owens et le studio de design londonien Toogood. Elle est représentée par la prestigieuse galerie milanaise Nilufar. Ses autres projets comprennent des tabourets à huit pieds en acier patiné, ainsi qu’une série de bibliothèques en aluminium créées en collaboration avec Bram Vanderbeke.

Adrien Garcia

“J’ai besoin de ses espaces vides et décadents pour imaginer de nouvelles créations”, explique le designer Adrien Garcia, qui partage son temps entre Paris et un grand hôtel particulier du XVIIe siècle près de Nantes. Pierre Yovanovitch dit de lui qu’il est un rêveur : “Adrien aime imaginer de nouvelles solutions, des objets multifonctionnels et il veut innover. En même temps, il recherche des lignes rigoureuses et des formes simples”.

Né en 1990, Garcia a été formé à l’ENSCI-Les Ateliers à Paris et à l’Université de Berlin, puis a travaillé pendant quelques années dans une entreprise française spécialisée dans les projets de bien-être et de spa. Parmi ses œuvres les plus connues figure un banc en chêne inspiré d’un modèle du XVe siècle trouvé dans la chapelle du palais. Il a réalisé la plupart de ses autres créations de meubles à partir de chênes tombés sur sa propriété. Son style a été décrit comme “plutôt austère, presque sculptural”, attentif à l’équilibre des proportions et aux matériaux nobles tels que le bois et l’acier. Son but : produire des objets durables, en collaboration avec des artisans français.

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Souvent considérée comme le bras droit de Le Corbusier, Charlotte Perriand est une architecte et une designer extraordinairement talentueuse, qui a tracé le chemin du mouvement moderniste avec une innovation intemporelle. Pionnière du design, elle a remodelé la place de l’art dans la vie quotidienne.

On dit souvent que derrière chaque grand homme, il y a une grande femme.

Si les choses ont changé – et continuent de changer – depuis l’époque de Charlotte Perriand dans le Paris du XXe siècle, les femmes n’ont pas toujours eu le crédit qui leur était dû. C’est peut-être la raison pour laquelle, aujourd’hui encore, Perriand est reconnue pour son lien avec le génie de Le Corbusier plutôt que pour l’extraordinaire travail qu’elle a réalisé à ses côtés.

Charlotte Perriand a tranquillement révolutionné le monde du design contemporain. Grâce à une carrière professionnelle étendue et prolifique consacrée à l’architecture, au design et à l’innovation, Perriand a navigué dans ce monde dominé par les hommes avec une curiosité et une passion sans bornes.

C’est Le Corbusier lui-même qui a découvert la jeune architecte et designer en 1927, lui donnant ainsi l’occasion d’appliquer son répertoire visuel et sa vision créative. Dans l’atelier le plus célèbre du monde, au 35 de la rue de Sèvres, avec un classeur de dessins sous le bras et un diplôme d’architecture, la toute première interview de Charlotte Perriand a été avec le maestro moderne. “Ici, on ne brode pas de coussins…”, lui dit-il avec sarcasme après avoir jeté un rapide coup d’œil sur ses dessins. Un début pas si prometteur, explique-t-elle dans son autobiographie “Charlotte Perriand : Une vie de création”, mais qui dissimulait un sentiment mutuel d’admiration et d’estime.

Malgré le scepticisme initial, Charlotte Perriand, à seulement 24 ans, commence sa carrière dans l’atelier de Le Corbusier, devenant rapidement un élément cardinal de la firme entre Pierre Jeanneret et le maestro lui-même. Femme dans un monde d’hommes, Perriand a été à l’origine de nombreuses créations parmi les plus célèbres de l’atelier et de l’aménagement intérieur de nombreuses commandes publiques – pour lesquelles elle ne sera guère reconnue.

Malgré tout, l’architecte a su rester concentrée et créative, puisant dans son imagination extrêmement progressive pour alimenter son penchant à créer de nouveaux objets et de nouvelles attitudes. Particulièrement empathique, elle savait que le design pouvait jouer un rôle crucial dans l’élaboration de solutions visant à rendre la société plus égalitaire. Et comme Le Corbusier, elle pensait que les objets qui nous entourent aident à définir notre état mental.

Soumise à des hauts et à des bas, sa relation avec Le Corbusier a été parfois tumultueuse, contrairement à l’amitié sincère qu’elle a nouée avec Pierre Jeanneret. Quoi qu’il en soit, la relation du trio devient la rampe de lancement qui permet à la jeune designer de travailler sur des projets importants, comme les intérieurs de l’Unité d’Habitation de Marseille (1945 – 1952), qui verra également la participation de Jean Prouvé (le même designer et architecte français qui fixera la médaille officielle de l’Ordre national du mérite sur la poitrine de Perriand en 1979).

Plaçant l’homme au centre de leur processus de conception, Perriand travaille avec les cousins Jeanneret en 1928 pour créer la LC4, la chaise longue moderne par excellence qui sera plus tard célèbre avec Cassina en 1965. Utilisant la forme et la fonction pour créer l’équilibre parfait entre la pureté géométrique et corporelle, la chaise trouve sa stabilité à n’importe quelle inclinaison grâce à la friction des tubes de caoutchouc recouvrant la barre transversale de la base.

Peu de temps après avoir rejoint l’U.A.M. (Union des Artistes Modernes) en 1929 et en avoir été la pionnière aux côtés de collègues comme Eileen Gray et Robert Mallet-Stevens, elle monte à bord du Patris II en 1933 entre Athènes et Marseille pour le IVe Congrès du CIAM (Congrès Internationaux d’Architecture Moderne). Perriand y travaille aux côtés des plus grands noms du design du XXe siècle, dont Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Jean Prouvé, Fernand Léger, Lucio Costa, Ernö Goldfinger et Kenzo Tange.

Ingénieuse et souvent révolutionnaire, Charlotte Perriand était une voyageuse et une photographe insatiable, s’inspirant de ses voyages en Europe, en Union soviétique et au Japon (où elle a été détenue et contrainte à l’exil vietnamien à son retour). Accompagnées de notes personnelles, les photos d’un pont métallique, les motifs d’un filet de pêcheur, ou même d’un simple rocher ont suffi pour devenir l’étincelle de nouvelles créations et d’objets de design.

Les exemples sont innombrables, du tabouret Méribel (1953-61), qui tire son nom du chalet savoyard français de Méribel-les-Ulles, aux meubles en bois courbé de la chaise longue Tokyo de 1940 ou de la chaise Ombre de 1954 – deux manifestations de son séjour au Japon, depuis réaménagées par Cassina. D’autres, comme le banc Cansado, (1959-63), conçu pour un projet dans la ville minière du même nom en Mauritanie, marquent les destinations où Perriand est intervenu pour la conservation des intérieurs sur place.

Fascinée par la culture industrielle, Perriand a été séduite par la capacité du design à influencer de nouvelles façons de vivre. Comprendre le patrimoine qu’elle a créé, c’est comprendre que le design est au service d’un objectif beaucoup plus vaste. Selon ses propres termes : “Dans chaque décision importante, il y a une option qui représente la vie, et c’est ce que vous devez choisir… La vie est quelque chose en mouvement”.

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Des projets de villes aux chaises devenues des icônes : la véritable histoire du cousin du maître de l’architecture moderne.

L’histoire de l’architecte et designer suisse Pierre Jeanneret, cousin du célèbre Le Corbusier, est fascinante : avec lui, il a conçu des bâtiments qui sont aujourd’hui considérés comme des chefs-d’œuvre de la modernité et, avec l’arrivée de Charlotte Perriand, il conçoit également des meubles qui sont devenus des icônes, voire des pièces de collection.

On peut dire que son histoire était unique. Lorsqu’un membre d’une famille devient célèbre, il est rare que d’autres membres de la même unité familiale émergent dans la même sphère avec la même reconnaissance unanime. Si le parent en question s’appelle Charles-Edouard Jeanneret-Gris, plus connu sous le nom de Le Corbusier, l’adjectif “célèbre” est réducteur. Cela dit, la passion pour l’architecture qui animait Pierre Jeanneret était certainement authentique et durable, tout comme la relation et l’estime mutuelle, au-delà de toute forme de compétition, qui le liait à son cousin. En témoigne le fait qu’ils ont presque toujours travaillé ensemble, signant des projets qui sont entrés dans l’histoire.

Mais que sait-on de Pierre Jeanneret ?

Né à Genève en 1896, il étudie à l’Ecole des Beaux-Arts de sa ville natale et, après avoir terminé ses études, commence à travailler dans l’atelier parisien des frères Perret. Il y rencontre Auguste Perret, véritable visionnaire et l’un des premiers architectes à utiliser le béton armé dans ses projets, des constructions audacieuses qui ont fortement influencé l’œuvre de Pierre Jeanneret et son approche du béton armé.

1922 marque le début officiel de sa collaboration avec Le Corbusier dans l’atelier du 35 rue de Sèvres à Paris. À partir de cette année-là, les deux noms seront toujours associés, surtout en ce qui concerne les projets qui ont fait date. Parmi eux : la Ville Savoye, construite entre 1929 et 1931 à Poissy, près de Paris, considérée comme l’une des plus grandes expressions du Mouvement moderne ainsi que le manifeste des cinq points de l’architecture moderne énoncés par Le Corbusier. Les éléments qui la caractérisent sont : la façade et le plan, tous deux totalement libres de contraintes, les piliers, qui élèvent le volume au-dessus du niveau du sol (ce que le béton armé a finalement permis de faire), le jardin du toit et les fenêtres en ruban.

Un autre projet bien préservé, qui porte la signature de Pierre Jeanneret et de Le Corbusier, est un double logement à Paris construit entre les années 1920 et 1930 dans la rue du Docteur Blanche, aujourd’hui siège de la Fondation Le Corbusier. À l’époque, les deux clients étaient son cousin Albert Jeanneret et le collectionneur d’art Raoul La Roche, c’est pourquoi la maison s’appelle encore Maison La Roche-Jeanneret. La difficulté de l’ensemble du projet résidait dans la forme du terrain disponible, qui était étroit et limité par de trop nombreuses contraintes. Pour surmonter cela, ils ont conçu deux maisons séparées, mais contiguës et reliées par des références architecturales continues. A partir de la porte d’entrée, un chemin en pente se dévoile, pénétrant profondément dans le terrain et permettant d’accéder aux deux maisons, caractérisées par des volumes propres et des lignes rigoureuses.

La projets et l’importance de l’Inde

Si nous voulons énumérer les projets conçus par les deux architectes, nous devrions certainement mentionner d’autres ouvrages, tels que le Pavillon Suisse de la Cité internationale universitaire de Paris en 1932-33, mais peut-être, pour réduire la liste, l’ouvrage qui a le plus marqué le partenariat entre les deux cousins, après une interruption due au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, est celui construit en Inde en 1951 à la suite de l’indépendance de la Grande-Bretagne : une ville entière dans la nouvelle capitale de Chandigarh, dans l’État du Pendjab. Le Corbusier et Jeanneret, en collaboration avec les architectes britanniques Maxwell Fry et Jane Drew, ont été chargés par le gouvernement indien de réaliser cet ambitieux projet en partant de zéro et en passant de l’échelle de l’architecture à celle du design.

Pierre Jeanneret s’est rendu en Inde pour superviser les travaux. De 1951 à 1965, depuis la maison qu’il a conçue au numéro 57 du secteur 5 à Chandigarh, il a géré tous les aspects de la construction du plan directeur, supervisant l’exécution du projet en tant que directeur. C’est dans ces années que la sensibilité et le goût de Pierre Jeanneret se manifestent également en tant que designer. En Inde, en effet, l’architecte s’est engagé non seulement à concevoir le mobilier et les intérieurs de nombreux bâtiments parmi les plus emblématiques de Chandigarh, mais aussi à trouver la meilleure façon de les produire, afin de soutenir l’industrie et l’artisanat locaux. Intégrant la tradition et les matériaux typiquement indiens dans la réalisation de ses dessins, Jeanneret a su combiner des formes minimales essentielles avec des matériaux simples comme le bois, la canne et l’acier, trouvant un point de rencontre entre les idéaux modernes plus européens et l’esprit rural du travail des artisans indiens dans l’utilisation raffinée du teck et du bois de rose locaux. Les designs simples de Pierre Jeanneret et l’utilisation de matériaux locaux modestes ont conduit à la production en masse de beaux meubles abordables. A tel point que la célèbre galerie Kukje à Séoul consacrera une exposition en 2016 au mobilier conçu pour le projet Chandigarh.

Le mobilier

Et à propos de mobilier, on ne peut pas ne pas mentionner l’Equipement intérieur de l’habitation que Pierre Jeanneret, avec Le Corbusier et Charlotte Perriand, a conçu pour le Salon d’Automne en 1928. Ainsi que ceux connus sous le nom de Casiers Standard, un système de mobilier de conteneur conçu pour le pavillon de l’Esprit Nouveau en 1925 avec Le Corbusier. Et ce sont précisément ces meubles qui sont encore en production aujourd’hui grâce à la collaboration commencée en 1960 entre Cassina et la Fondation Le Corbusier avec la ligne LC Collection.

L’expérience indienne de Pierre Jeanneret l’a également amené à participer à d’autres projets. Pendant ses années de travail, il a également été doyen de l’école d’architecture de Chandigarh et consultant pour de nouveaux projets urbains dans l’État du Pendjab, au nord-ouest du pays. Il a également participé à des projets d’urbanisme pour d’autres villes indiennes, notamment Sundar Nagar, Delhi et Ahmedabad, la plus grande ville de l’État du Gujarat, dans l’ouest du pays. D’un point de vue humain aussi, les dernières années vécues en Inde ont été spéciales pour cet homme qui, né en Suisse en 1896, a trouvé sa dimension idéale à l’autre bout du monde. A tel point que lorsqu’il est mort en 1967 à Genève, selon son testament, ses cendres ont été dispersées sur le lac Sukhna de Chandigarh.

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3 points clés avant d’acheter

• Authenticité : cherchez le marquage Martinelli Luce, une finition cohérente et une qualité de diffusion homogène.
• État : inspectez d’abord le diffuseur, la base, le câble et la montée/descente télescopique.
• Prix : une vraie bonne affaire n’est pas seulement moins chère ; elle est complète, stable et vérifiable.

Verdict rapide

La Pipistrello d’occasion est un excellent achat si vous voulez une pièce forte pour un salon, une entrée ou une chambre parentale. Elle devient risquée lorsque l’annonce est floue, que le diffuseur est fissuré ou que le vendeur évite les photos de détail.

Pourquoi la Pipistrello garde-t-elle une forte cote ?

Dessinée par Gae Aulenti, la Pipistrello est reconnaissable à son diffuseur nervuré et à sa silhouette entre lampe de table et sculpture lumineuse. Sur le marché de l’occasion, elle plaît car elle fonctionne dans plusieurs décors : vintage, contemporain, minimaliste ou appartement haussmannien.

Comment reconnaître une vraie lampe Pipistrello ?

Commencez par les détails simples : proportions, qualité de la base, stabilité, câble, visserie, marquage et rendu du diffuseur. Une imitation paraît souvent correcte en photo générale, mais déçoit dès qu’on regarde les jonctions et la lumière diffusée.

• Marquage : demandez une photo nette de l’étiquette, du dessous ou des éléments d’identification.
• Diffuseur : il doit être régulier, sans fissure au niveau des nervures ni jaunissement incohérent.
• Mécanisme : la version télescopique doit monter et descendre sans point dur excessif.
• Base : attention aux éclats, aux rayures profondes et aux réparations masquées.
• Preuve d’achat : facture, boîte ou historique vendeur renforcent la confiance, même si tout n’est pas toujours conservé.

Combien coûte une Pipistrello d’occasion ?

Les prix varient selon la taille, l’âge, l’état, la couleur et la présence de justificatifs. Pour raisonner vite, comparez toujours trois annonces similaires et non une seule annonce “coup de cœur”.

Erreurs à éviter

• Acheter uniquement parce que le prix semble bas.
• Confondre “inspirée de” et “édition Martinelli Luce”.
• Oublier de vérifier la stabilité une fois la lampe posée.
• Négliger les frais d’expédition : le diffuseur supporte mal les colis approximatifs.
• Accepter des photos sombres qui cachent rayures et fissures.

Pour / contre

Preuve sociale : le test humain avant paiement

Un acheteur prudent doit pouvoir se projeter comme en boutique : lampe allumée, variateur ou interrupteur testé, hauteur manipulée, défauts montrés sans gêne. Si le vendeur répond précisément et fournit des photos datées, le niveau de confiance monte fortement.

Questions fréquentes

La Pipistrello d’occasion vaut-elle vraiment le coup ?

Oui si l’écart de prix avec le neuf est cohérent et si l’état est vérifié. Une lampe chère mais impeccable peut être préférable à une “affaire” nécessitant un diffuseur ou une réparation.

Peut-on la faire livrer ?

C’est possible, mais le retrait en main propre reste plus sûr. Si livraison il y a, exigez un emballage renforcé et des photos de la lampe avant expédition.

Quelle pièce lui convient le mieux ?

Elle fonctionne très bien sur un buffet, une console, une table basse large ou dans un coin lecture. L’important est de lui laisser de l’espace visuel.

Bio

Vincent Vandegans suit le marché du mobilier design d’occasion, les tendances déco et les pièces iconiques qui gardent une vraie valeur d’usage. Son approche : aider à acheter beau, durable et vérifiable, sans se laisser piéger par une annonce trop séduisante.

Photo : Max Vakhtbovych / Pexels

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